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Vista de Zaragoza en 1647

Categoría: Zaragoza el día 2010-05-19 14:30:55

                                                                                                              Pablo Cuello Marín

                                                                                                        1º Bachillerato. IES Élaios*

El otro día al entrar en el recinto del Instituto me di cuenta, por primera vez, que  en el mural cerámico que hay en el lado derecho de la fachada estaba representada una vista de la ciudad de Zaragoza desde el Septentrión, es decir desde su orilla izquierda.  Al observarlo con detenimiento logré identificar varios edificios ,  probablemente desde el lugar en que la visión panorámica de la ciudad es más interesante y característica. Entonces me picó la curiosidad y decidí averiguar si esta Vista de la ciudad había sido una invención de un profesor y un grupo de alumnos del Instituto, o bien si  se basaba en otras anteriores. Busqué en Google y encontré vistas parecidas, como la de Anton van der Wingaerde, aunque la que más me llamó la atención fue la  “Vista de Zaragoza en 1647”,  un óleo de 181 cm × 331 cm que nos muestra una panorámica de la ciudad  desde el antiguo Convento de San Lázaro y que se conserva en el Museo del Prado.

Anton van der Wingaerde, "Vista de Zaragoza", 1563

Éste cuadro se pintó por encargo del príncipe Baltasar Carlos de Austria, hijo del rey Felipe IV, quien sentía un gran aprecio por la capital aragonesa, aunque murió en 1646 y no pudo ver finalizado el cuadro, que se terminaría al año siguiente. El encargado de llevarlo a cabo fue Juan Bautista Martínez del Mazo, nombre desconocido para mí hasta entonces, quien resultó ser discípulo y suegro de Diego Velázquez, a quien algunos  atribuyen la autoría de esta obra.

El cuadro fue pintado en la época de mayor crecimiento y evolución económica de Zaragoza, que a su vez coincidió con el Siglo de Oro español. El dinamismo del cuadro está marcado por los grupos de personajes y el uso de los colores ; la profundidad que tiene la obra está bien resuelta a través de las tonalidades que le da el amanecer y las montañas que se encuentran en el horizonte. Posiblemente, el autor quería magnificar la imagen de la ciudad por el gran protagonismo que recibe en cuadro, si bien la fisonomía de los edificios podríamos decir que es realista.

Mi primera impresión respecto al paisaje representado en el cuadro  y puede que la de muchos otros, fue la de una Zaragoza que acababa de pasar por una catástrofe, debido a que el puente de Piedra estaba roto. Luego, me fui fijando en  pequeños detalles, investigué un poco y hallé dos teorías referentes al tema de la obra , una comitiva real, apenas perceptible en el cuadro a pesar de ocupar su lugar central, : la primera dice que en ella se representa a la corte llegando a Zaragoza desde Madrid para la jura del príncipe como heredero de la Corona de Aragón, hecho probable ya que en esa época Zaragoza era el cuartel general real por la Guerra de Secesión catalana y el rey quería ganar apoyos para la guerra de parte de los zaragozanos; la segunda plantea la salida de la comitiva real de Zaragoza tras la muerte del príncipe para enterrarlo en el Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.

Detalle de la comitiva real

Aparte de estas dos teorías, Martínez del Mazo también pretendió plasmar de forma muy fiel lo que eran Zaragoza y sus gentes a mediados del siglo XVII, por eso podemos ver a grupos de personas a lo largo de la zona inferior del cuadro con sus quehaceres diarios: pescar, hablar, lavar la ropa…

Conforme fui avanzando en el estudio del cuadro, me di cuenta de que había edificios que se parecían a los actuales, otros que me resultaban totalmente desconocidos y otros que eran iguales a los representados en el mural cerámico de mi Instituto.

1. Puente de tablas 2. Convento de San Agustín 3. Iglesia de La Magdalena 4. Iglesia y colegio de la Compañía de  Jesús 5. Iglesia de San Miguel 6.- Palacio de los marqueses de Almonacid    7. Palacio Arzobispal 8. Cimborrio de La Seo 9. Torre mudéjar de La Seo 10. Casa de la Diputación del Reino 11.Puerta del Ángel y Casas del Puente 12 La Lonja 13. Puente de Piedra 14. Torre Nueva 15. El Pilar 16. San Juan de los Panetes y Torreón de La Zuda 17. Torre de San Pablo 18. El Portillo 19. La Aljafería 20. Convento de Predicadores.   Desaparecidos, en negrita y subrayados


Empezaré por el Puente de Piedra (13) ya que es, seguramente, el que más salta a la vista. Construido en la Edad Media en el lugar donde hubo un antiguo puente romano,   en la vista se ven destruidas dos arcadas centrales por una riada del Ebro ocurrida en 1643. Más tarde sería reconstruido, aunque sufriría otros destrozos tales como el que causaron las tropas francesas durante la Guerra de la Independencia al volar la última arcada, del lado del Arrabal, en su retirada de la ciudad en 1813.

Luego me fijé en la fisonomía de la Basílica del Pilar (15), símbolo de la ciudad, que en 1647 no era tan grande como lo es hoy en día  y de hecho, su aspecto actual no se parece en nada al del cuadro que comentamos ya que sufrió una profunda transformación que se inició en 1675 y se prolongó hasta iniciado el s.XX. En esta Vista   , El Pilar era un edificio románico transformado en Gótico mudéjar tras el incendio que sufrió en 1434.

Detalle del Pilar
 

Probablemente, además del Puente de Piedra los dos edificios más reconocibles del cuadro de Martínez del Mazo sean la Lonja y La Seo . La Lonja de los mercaderes (12) es un edificio renacentista construido entre 1541 y 1551 cuyo aspecto es prácticamente igual salvo por alguna reparación en la fachada. En aquella época  además de acoger a los comerciantes para que realizasen sus negocios sirvió su planta superior como depósito de armas de la ciudad. Actualmente se utiliza como Sala de Exposiciones. Respecto de  la Catedral de La Seo , salvo la fachada -que no se puede ser en el cuadro- y la torre barroca construida en el s.XVIII y que sustituyó a la mudéjar (9), es claramente reconocible por su característico cimborrio mudéjar (8)  . Respecto del  palacio Arzobispal (7) , en él residía la máxima autoridad religiosa aragonesa y circunstancialmente, también servía de residencia a los reyes en sus estancias en Zaragoza. En el cuadro se observa un gran edificio de tres plantas con torres desiguales en los extremos que se reformaría,  en el s.XVIII  siguiendo el gusto neoclásico.

Otros edificios reconocibles son, de izquierda a derecha : el Convento de San Agustín (2), que actualmente acoge al Centro de Historia de la Ciudad,  la Iglesia mudéjar de la Magdalena (3), que ha ido sufriendo  reformas tanto en su interior (s.XVIII) como en su exterior (en la actualidad), la Iglesia y colegio de la Compañía de  Jesús (4) construido sobre el solar que albergó a la Sinagoga Mayor de Zaragoza, y que tras la expulsión de los jesuitas en 1767 pasó a llamarse  Real Seminario de San Carlos,  la iglesia mudéjar de San Miguel ( 5), y  la Aljafería (19), cuyo aspecto difiere mucho del primitivo palacio musulmán del siglo XI como consecuencia primero de su transformación en el siglo XVI como sede y cárcel de la Inquisición  y posteriormente, en el siglo XIX, en acuartelamiento militar.

Ahora hablaré de los edificios que actualmente no existen y que aparecen representados en el cuadro. Comencemos por la Torre Nueva (14) que era el edificio más alto de la ciudad y que servia para regular la vida en Zaragoza, gracias a su reloj y campanas que marcaban la hora; en 1892 fue lamentablemente demolida debido a una ligera inclinación que tenía y a las protestas de algunos comerciantes. La Puerta del Ángel (11) era una de las muchas puertas de Zaragoza, comunicaba con el Puente de Piedra, y fue demolida en 1867. Junto a ella está la Casa de la Diputación del Reino (10),  el edificio político más representativo de Aragón y que en su interior albergaba innumerables documentos históricos que por desgracia se perdieron por el fuego en 1809, durante el segundo Sitio de Zaragoza. El Palacio de los Marqueses de Almonacid (6), justo a la izquierda del palacio Arzobispal,  edificado en 1547, es uno de los monumentos zaragozanos lamentablemente desaparecidos hace poco tiempo, cuyo amplio patio era un espacio de recreo para la aristocracia de la época. Respecto al Puente de Tablas (1), que está situado a la izquierda del cuadro, fue reconstruido al año siguiente de la riada de 1643,  era fundamental en la época ya que comunicaba los dos arrabales de la ciudad. Cerca de su emplazamiento se construyó en  1895  el Puente del Pilar, popularmente conocido como el Puente de Hierro.

Para terminar, me gustaría hacer una breve reflexión sobre la importancia del género paisajístico y en particular de las “Vistas”, en una época en que no existía la fotografía,  como fuente histórica gracias a  la cual  podemos ver la evolución de ciudades y paisajes, ver el antes y el después,  sorprendernos y a veces indignarnos con lo que es capaz de hacer el ser humano como resultado de su “interacción” (guerras, coyunturas políticas, modas artísticas, desarrollo urbanístico, catástrofes naturales, especulación urbanística, etc.) con el espacio en el que habita  , y de ésta forma, ser capaces de conocer y concienciarnos un poco más de nuestra propia historia, de nuestro patrimonio artístico y, en mi caso, de la ciudad donde vivo.

BIBLIOGRAFÍA:

http://www.enciclopedia-aragonesa.com/monograficoshistoria/
edad_moderna_en_aragonII/multimedia/vista_zaragoza/vista_zaragoza.htm
www.elaios.com/documentos/expozaraaguatextosguias/Textos.pdf
RINCÓN GARCÍA, Wifredo: Aragón. Everest, León, 1991
CANELLAS LÓPEZ, Ángel: Aragón en su historia. Zaragoza, 1998

* Este artículo ha sido publicado en el nº 21 de la revista Laberintos del IES Élaios

Marc Chagall

Categoría: Singladuras el día 2010-05-18 01:00:23

Diana Vega López

4º de ESO. IES Élaios*

Muchos pintores del siglo XX y anteriores buscan un símbolo, una característica que los diferencie de los demás de su época y condición. Unos pocos lo consiguen, como es el caso de Marc Chagall. Un estilo propio inconfundible e inclasificable, formado por la unión de diferentes rasgos vanguardistas, sus recuerdos y afectos personales, la cultura judía, su origen ruso y el transcurso de su propia vida marcada por los convulsos acontecimientos (la revolución rusa, el nazismo, la 2ª Guerra Mundial, el exterminio de los judíos, etc.). A caballo entre Rusia y Francia, recibe la influencia del cubismo, por una nueva manera de representar los objetos en el espacio; del fovismo, por el uso libre del color y del expresionismo por la subjetividad y expresividad, aunque no se adhiere a ninguna de estas tendencias. La abstracción, que está en auge durante el siglo XX, parece no interesar a Chagall, puesto que todos los motivos que representa tienen formas más o menos reconocibles. Pero es el surrealismo una de las corrientes que más relacionada está con sus obras.

Gueto judío de Vitebsk, 1887 nace, en el seno de una modesta familia. Las comunidades judías se encuentran algo aisladas en el occidente de la Rusia zarista, siendo inaccesibles algunos servicios a sus integrantes, como es el caso de ciertos tipos de universidades. Esta no es la primera dificultad con que se encuentra Chagall en su carrera artística: existe un precepto bíblico que prohíbe la representación de imágenes y, en su mayoría, las relacionadas con la religión. La profesión de pintor viene unida a la violación de esta regla y eso es algo que su familia no acaba de aceptar. Chagall se permite desobedecerla al no ser un judío ortodoxo (el judaísmo no es una ideología homogénea: mientras unos no acatan unos mandatos otros los siguen fielmente) y con ello consigue hacer universales los símbolos de esta religión.

Chagall no pierde de vista su origen judío, pese a convivir con nuevas culturas y formas de pensar, y esto lo caracteriza a lo largo de su vida. “Si no hubiese sido judío, no habría llegado a ser artista”: no renunciaba a sus raíces, la presencia de elementos propios de su religión se puede interpretar como un homenaje a su propia cultura y a lo que dio lugar al verdadero artista.

Un pintor anclado a su infancia y a su familia al hacerse mayor. Las evocaciones de su niñez son identificables a través de los elementos surreales que abundan en sus pinturas, como lo son las cabras y vacas voladoras de colores, los novios volando y los violinistas sobre los tejados… “¡París!. ¡Ninguna otra palabra me sonaba más dulce!” Chagall es sin duda un joven con ambiciones, corre el año 1910 y sueña con viajar a Francia, instalarse allí, en la capital del arte occidental. tras su estancia en San Petersburgo (1907-1910), gracias al apoyo de Max Vinaver como mecenas y benefactor. En los barrios parisinos se codea con artistas como Picasso, Apollinaire o Braque y descubre diversas las vanguardias: cubismo, fovismo y futurismo. La producción durante su estancia en París en su primera etapa pictórica, queda marcada por la introducción dos nuevos términos: lumière-liberté y coleur-amour, exhibidos conjuntamente en su obra “Mujer y pájaro”. La unión de ambos forma la estructura básica de su pintura en esta época.

Paris en la ventana, 1913

En esa época son frecuentes las pinturas que reflejan la visión de esta ciudad desde la ventana de un estudio. Chagall sigue la moda al representar “París en la ventana” (1913). Pero esta es diferente; la ilumina un toque personal, presente en la visión de París a través de los ojos de este peculiar pintor, conocida por sus frecuentes elementos irreales, abundantes en esta obra. El contraste de colores primarios con otros pálidos, propio del fovismo, deja a un lado los detalles técnicos, desplazados por una gran fuerza cromática. Un gato en la ventana, con cabeza humana; un hombre que cuenta con dos rostros; otro en el cielo, desafiando las leyes de la gravedad, y unos personajes característicos de la tradición judía se entremezclan con los elementos típicos de París.

Pero Chagall no olvida sus orígenes. Su condición de judío. Su Rusia natal. Es cierto que se empapa de las nuevas técnicas y corrientes que fluyen en los estudios franceses; pero aún durante su estancia en Francia siguen estando presentes los motivos judíos en su pintura, siendo estos los más notables. La estructura, los ritmos y la caligrafía de las formas recuerda a los caracteres hebreos; estos se encuentran en armonía con las esencias de la tradición popular rusa y su interpretación mágica de la realidad, dando lugar a imágenes metafóricas de gran energía. En su pintura encontramos una síntesis entre tradición y modernidad. Un gran contraste. Los paisajes de su pueblo natal suelen convivir en el mismo cuadro con las estampas de París, la ciudad que él llamaba “el lugar de mi segundo nacimiento”. Su nacimiento como artista. El mundo irreal creado a partir de su imaginación responde a un simbolismo que deriva del folclore y religión judíos, de la literatura y de las leyendas. Se sirve para ello de recursos modernos, que provienen de las vanguardias: el cubismo y el fovismo como la interrelación de imágenes sin orden ni lógica, los tonos muy luminosos y el gran contraste entre ellos, la experimentación con la luz y el color.

El violinista verde, 1924

Durante esta primera etapa aparece por primera vez un elemento simbólico y característico de las futuras obras de Chagall: el violinista. Evoca al hombre que tocaba el violín en las ceremonias y fiestas judías, guardadas en la memoria del pintor, que trata de reproducir según su recuerdo y original estilo. Este personaje aparece por primera vez en una composición a tinta china sobre papel, “El violinista” (1911), dominando el espacio, con la cara en verde, que en obras posteriores aparece desafiando la gravedad, en posiciones extrañas o volando sobre los tejados. En las últimas etapas de su vida, Chagall llega incluso a representar animales tocando el violín.

Cuando estalla la 1ª Guerra Mundial Chagall se encontraba en Rusia para asistir a la boda de su hermano, donde conoce a Bella Rosenfeld, con la que contrae matrimonio en 1915. Los años que pasan juntos los recuerda como la etapa más feliz de su vida, que celebra pintando sobre y para ella, incluso después de su muerte en 1944, durante su exilio a Estados Unidos.

Estos prósperos años junto a su mujer y la hija de ambos, Ida, afecta a su manera de pintar, que se vuelve más armónica, aunque pierda cierta expresividad. Durante este período Chagall y Bella volarán sobre los tejados, sobre la ciudad, y harán de su amor el motivo principal de cada obra, como es el caso en “Sobre la ciudad”. El amor , el cielo, el poder volar y la música están presentes en estas obras chagallianas, que mantienen una relación estrecha: todas consiguen hacer salir al espectador de su estado normal, le transmiten sensaciones confusas pero agradables a su vez.

Ante la represión de la expresión individual de esa época acepta el encargo de ilustrar “Almas muertas” de Gogol y la Biblia, estableciéndose de nuevo en París y dejando atrás Rusia. Son los años del surrealismo, del desprecio del orden social, de la búsqueda de la libertad individual. Chagall continúa en la producción de sus pinturas “románticas” con Bella, pero estas darán lugar a una etapa más sombría, empujada por el verdadero conocimiento de la realidad, desbaratada por el ascenso del fascismo al poder. Mediante la evocación de escenas propias de la religión, escenas de su infancia o de su amada, consigue distraer la mente; pero es realmente durante sus viajes a Polonia cuando abre bien los ojos ante el mundo, que le muestra su lado más amargo. La situación de los judíos en aquel país era trágica, y sobrecoge a Chagall. Sus pinturas adquieren un tono más serio y sólido, dramático y a la vez afligido. El color, aunque más triste, adquiere mucha fuerza e impacta al espectador en obras como “Crucifixión blanca”.

Crucifixión blanca

El estado continuo de conflictos produce una sensación de frustración e impotencia incontrolable en Chagall. Conocer la dura situación de la gente de tu misma clase, como son los judíos para este artista, y no poder hacer nada por cambiarlo genera un torbellino, una explosión interior que pugna por salir y que es reflejada en la variabilidad del carácter de sus pinturas.

Tan pronto nos muestra dos enamorados y sus ya conocidos elementos surrealistas como las revoluciones para los artistas existían dos tipos de revoluciones: las propias del pueblo contra los gobernantes y una más artística y humana, representadas y contrapuestas en “La revolución” (1937)-, la muerte y el posible fracaso.

Ni siquiera Francia, donde la libertad de pensamiento y la igualdad son dos principios elementales, sortea esta situación. La 2ª Guerra Mundial y el exterminio nazi hacen mella en la mentalidad de este país. Los artistas judíos son considerados degenerados y muchos de ellos son arrestados. Entonces el exilio aparece como la única opción razonable y Chagall, como muchos otros, la elige. Se traslada a Nueva York. Quizás allí, donde una gran distancia los separa de esas miles de personas que son asesinadas impunemente, le resulta más sencillo no pensar en la situación en que se encontraba Europa. Pero su origen judío no le permite mirar hacia otro lado y hace uso de una de las armas más potentes de las que dispone un artista, su talento y la capacidad de hacer llegar una idea, un sentimiento a todo aquel que contemple la imagen que ha creado. En su nueva creación, asumen protagonismo las crucifixiones y los incendios, reflejo de una época muy dura para su pueblo: “Crucifixión amarilla”, “Los crucificados”. También diseñará los decorados y trajes del ballet “Aleko”. Un ballet donde reencontrará a dos grandes rusos, Tchaikovski y Pushkin y que no será la última vez, ya que tiempo después se encargará de los decorados de “El pájaro de fuego” de Stravinski.

A los ocho años de la muerte de Bella, producida en 1944, Chagall regresa a Europa con Valentina Brodsky, su nueva esposa. Durante esta última etapa se dedica a producir abundantemente, dando cobertura a diferentes disciplinas además de la pintura: escultura, litografía, cerámica, grabados, murales, mosaicos y tapices, vidrieras, ilustraciones…Muchas de ellas dan un toque más humano y original a sinagogas o a la misma Ópera de París. Un pintor prolífico hasta el final de sus días, el 8 de marzo de 1985, a los 97 años. Chagall seguía trabajando y siendo el artista que se negaba a ser moderno. Así es como le gustaba sentirse. "Mantenerme libre, indómito... para poder gritar, llorar, rezar". Mantenerse vivo.

A lo largo de sus 75 años como pintor produjo nada menos que 10.000 obras y muchas de ellas siguen expuestas en la actualidad. Chagall ocupa una categoría aparte dentro del arte del siglo XX gracias a su gran imaginación y al mundo mágico que recrea a través de cada obra. Por ello siempre ha sorprendido y agradado al público en general; aunque los críticos suelen tacharlo de repetitivo y proclive al uso de figuras rígidas. Otros van más allá, opinando que Chagall dibujaba mal. "Claro que dibujo mal. Me gusta dibujar así". Un artista que no se amoldaba a las reglas y tendencias modernas."El impresionismo y el cubismo me son ajenos", escribió. "Ante todo, me parece que el arte es un estado del alma... ¡Dejemos que se atraganten de peras cuadradas en sus mesas triangulares!”.

BIBLIOGRAFÍA

BUCCI, Mario: Marc Chagall, Círculo de Lectores, Barcelona 1971.

* Este artículo ha sido publicado por la Revista Laberintos, nº 19, del IES Élaios

 

Roma, Caput Mundi

Categoría: Singladuras el día 2010-05-17 00:26:12

Ana Aguilar Rodríguez y Laura Beltrán Felipe
1º Bachillerato. IES Élaios*

El Barroco es la corriente artística, cultural y social que se gesta a finales del siglo XVI y que alcanza su auge durante el XVII. De ella se dice que es contrarreformista, pues nace de la necesidad de la Iglesia Católica de reafirmar su dominación frente a la Reforma Protestante recién surgida, cuyo espíritu se encarna en la abrumadora arquitectura y decoración de la Iglesia jesuítica de Il Gesú que ha sido ampliamente imitada en el mundo cristiano. Pero ésta no es la única razón de la enorme propagación del nuevo estilo, sino que también adquiere una considerable difusión por el mecenazgo de la sociedad burguesa, principalmente en países como Holanda e Inglaterra, de los propios Papas y sus favoritos en Roma y de las monarquías absolutas europeas. Todos ellos con la finalidad de mostrar el gran esplendor de su autoridad.

La creciente importancia para los estados de tener una capital en la que establecer la corte, los edificios burocráticos y los órganos de gobierno, junto a la centralización del comercio, son factores determinantes para la culminación del nuevo arte y, al mismo tiempo, la propia Iglesia Católica necesita para su corte palaciega un escenario adecuado. Es imprescindible comprender que el urbanismo se utiliza para mostrar la mentalidad propia de cada período de tiempo, lo cual se deja ver de forma muy evidente en el siglo XVII, que fue una época de guerra y violencia, de modo que la vida se veía continuamente atormentada por el dolor y la muerte. Por ello era más necesaria que nunca la exaltación de la existencia intensa y el empuje de amar las pasiones del vivir, que se materializaron en la arquitectura, el urbanismo y las artes en general mediante la utilización de intensos contrastes –formas pequeñas y grandes, cercanas y lejanas, cóncavas y convexas...- para lograr un efecto muy dinámico y teatral.

El mayor impulsor del Barroco religioso fue Sixto V, que permaneció en el Papado de 1585 a 1590. Durante su pontificado, hubo grandes cambios en Roma en cuanto al urbanismo, pues se produjo un gran desarrollo de éste. Sixto V fue quien devolvió a Roma todo el vigor desaparecido con la caída del Imperio Romano y restituyó a la ciudad la capacidad de extenderse. Roma se convirtió en una ciudad capital que muestra el estructuralismo urbanístico del Barroco. El plan vial del Papa modificó la ciudad y facilitó la visita a los lugares sagrados, que atraían peregrinos de todos los lugares del mundo. El Papa Sixto V tenía un arquitecto, Domenico Fontana, que terminó la construcción del Palacio del Quirinal, reconstruyó la basílica de San Juan de Letrán y acabó la cúpula de San Pedro. También trazó planos de calles y plazas, proyectó la biblioteca Vaticana, levantó obeliscos en diversas plazas, como la de San Pedro y la del Popolo y, por último, creó la Capilla Sixtina de la basílica de Santa María la Mayor –no confundir con la Capilla Sixtina del Vaticano-.

         

                                 La Roma del Papa Sixto V (1585-1590)

La ciudad barroca tiene un carácter escenográfico, ya no es sólo funcional. Amplía la imagen de poder, convirtiéndose en la sede espiritual y política de la cristiandad. La vida social se concentra en las plazas, que son los centros urbanos, en las que hay un edificio principal, ya sea una iglesia o un palacio y se decoran con diversos elementos. En primer lugar, se encuentran las fuentes, muy abundantes en Roma. Su agua se utilizaba para el lavado y el consumo personal, ya que procedía de los acueductos romanos restaurados por los Papas. Son grandes obras de arte monumentales, y dan a las plazas un aire de frescor y vitalidad. En segundo lugar, los obeliscos son muy característicos de la capital y se coronaron con símbolos religiosos para disimular los elementos profanos. Imitaban a los egipcios, que se trajeron a la ciudad con el Imperio Romano, y el Papa Sixto fue un gran promotor de este elemento decorativo. Pero éstos no tenían sólo función estética, sino que se convertían en ejes para el cambio de dirección de las calles.

 

                                  Esquema del urbanismo barroco de Roma

Finalmente, se ensancharon las vías y se construyeron avenidas. Hubo muchos proyectos para comunicar entre sí las siete basílicas. La organización de Roma se orientó de noroeste a sudeste, teniendo como eje principal la Strada Felice, que fue proyectada desde la plaza de Santa María la Mayor en dirección a la basílica de la Santa Croce in Gerusalemme y a la Plaza del Popolo.

        

                     Vista aérea de la Basílica y Plaza del Vaticano

Entre las plazas cabe destacar la de San Pedro, en el Vaticano, proyectada por Bernini. Presenta una forma elíptica y está rodeada por una inmensa columnata con 140 santos sobre ella. Tiene dos lados sin columnas: uno corresponde a la Via de la Conciliazione y el otro a la Basílica de San Pedro. En el centro hay dos fuentes muy similares y un obelisco erigido en 1586, que fue colocado en memoria del martirio de San Pedro. Esta plaza es utilizada por el Papa para la realización de ceremonias litúrgicas. Otra importante plaza es la de Navona, que es el mejor exponente de plaza barroca. Es alargada porque conserva la forma del estadio de Domiciano, de modo que era utilizada en la antigüedad como pista de carreras. Consta de tres fuentes, dos de ellas fueron diseñadas por Bernini: la más importante es la Fontana dei Quattro Fiumi, la cual se compone de una base formada por una gran piscina elíptica, en cuyo centro se eleva un obelisco egipcio de época romana. Esta fuente tiene representados en sus estatuas a los cuatro ríos más importantes conocidos hasta entonces, como son el Danubio, el Ganges, el Nilo y el Rio de la Plata. Según la leyenda popular, estos gigantes se tapan el rostro para no ver la iglesia de Santa Inés de su eterno rival Borromini, en la misma plaza Navona enfrente de la fuente. La iglesia de Santa Inés posee una espectacular fachada cóncava para realzar la cúpula muy característica del Barroco. La última plaza que citaremos es la del Popolo, que en castellano se traduciría como Plaza del Pueblo. En el centro hay un obelisco erigido por Domenico Fontana y una gran fuente. Al sur se encuentra el famoso Tridente de las vías del Babuino, del Corso y de Ripetta. El cruce de estas calles está delimitado por las fachadas gemelas de las iglesias de Santa María dei Miracoli y Santa María in Montesanto, que fueron empezadas por Rinaldi y acabadas por Bernini y Carlo Fontana. Los últimos elementos a destacar de la plaza son la Puerta del Popolo y la iglesia de Santa María del Popolo, ambas diseñadas por Bernini.

        

                              El Tridente de la Piazza del Popolo

En cuanto a las fachadas más representativas del Barroco de Roma se encuentra San Carlo alle Quattro Fontane, también conocida como San Carlino. Esta iglesia de Borromini recibe dicho nombre porque se encuentra en el cruce de dos calles, en cuyas cuatro esquinas hay una fuente. De esta iglesia cabe destacar su cúpula oval, su pequeña linterna y las curvas que dan vida a la fachada y al interior.

Entre las fuentes más monumentales del Barroco se encuentran la Fontana de la Barcaccia, la Fontana delle Api, la Fontana dei Quattro Fiumi y la Fontana del Tritone. La primera se encuentra en la Plaza de España y fue proyectada por Bernini o por su padre. Representa una barca naufragando y como elementos decorativos hay abejas y soles que proceden del escudo de armas de los Barberini, mecenas del artista. La Fontana delle Api se sitúa en una esquina de la Plaza Barberini y fue construida por el mismo arquitecto que la anterior. También muestra abejas por pertenecer a la familia Barberini, y hay un texto en latín que asegura que el agua que mana de ella es para uso público. La Fontana dei Quattro Fiumi está ya explicada en el conjunto de la Plaza Navona. Por último, la Fontana del Tritone, que fue mandada construir por el Papa Urbano VIII a Bernini y se encuentra en la Plaza Barberini. Unos delfines soportan al dios Tritón, y también se aprecian los distintivos de esta familia.

Otra de las figuras clave del barroco romano es Gian Lorenzo Bernini. Nacido en Nápoles en 1598, se traslada a Roma para comenzar su carrera como arquitecto, pintor, escultor, escenógrafo y dramaturgo. Fue el gran genio del Barroco. Contó con mecenazgo de siete Papas, pero, en especial, de Urbano VIII, gran amante de sus obras, que lo consideraba como el mejor escultor y arquitecto para realzar el poder de la  Iglesia en los monumentos. Llevó a cabo numerosas obras a lo largo de su vida, pero se consagró como artista al esculpir obras como El rapto de Proserpina, Eneas, Anquises y Ascanio, Apolo y Dafne y el David. Todas estas obras se encuentran hoy en la Galería Borghese. A partir de aquí comenzaría a construir fuentes por toda Roma, ya citadas anteriormente, y obras como el Baldaquino de San Pedro, el Éxtasis de Santa Teresa, la tumba de Urbano VIII y la Columnata de San Pedro.

Otra de las figuras clave del barroco es Francesco Borromini, eterno competidor de Giovanni Lorenzo Bernini. Sus obras fueron consideradas de mal gusto por los intelectuales contemporáneos, ya que no seguían los cánones establecidos en la época. El primer trabajo importante de Borromini es la iglesia de San Carlo alle Quatro Fontane, cuya parte más antigua fue el monasterio, construido con materiales pobres, como el ladrillo pintado. A continuación, centró su trabajo en la iglesia de planta centralizada, con la articulación del muro por medio de columnas y el decrecimiento de su tamaño hacia su vértice con el fin de crear una sensación de bóveda de cañón más profunda. Otra de sus creaciones más espectaculares es San Juan de Letrán, templo financiado por el Papa Inocencio X y de materiales muy sencillos. Borromini llevó a cabo la puesta al día de la decoración, teniendo como única imposición la de no modificar el artesonado de madera del techo, el cual en un principio pretendía abovedar.

Para concluir, una significativa obra del arquitecto Barroco es la capilla de la universidad de Roma, Sant’Ivo della Sapienza, que fue construida a finales del siglo XVI. Se caracteriza por una planta centralizada generada a partir de la intersección de dos triángulos equiláteros que crean un hexágono, donde se interceptan una serie de círculos que generan un encadenamiento de formas espaciales al alternar espacios cóncavos y convexos y por una cúpula muy caprichosa, que cubre el cuerpo de la iglesia sin una estructura que sirva de transición. Roma ha sido cuna de la cultura occidental durante la mayor parte de la Historia de la Humanidad, en el mundo antiguo, en el Renacimiento y en el Barroco. En este último periodo barroco marcó las pautas artísticas y religiosas del mundo occidental. Durante el sigloXVIII, en la época de la Ilustración, se producirá el proceso ascendente de la burguesía enriquecida que se convertirá en el nuevo mecenas artístico. A finales de la centuria, un hecho cambió la concepción del mundo conocido hasta entonces: la Revolución Francesa. Se cuestionan las monarquías absolutas, se coarta el poder de la Iglesia y se enarbola la bandera de la libertad y de la igualdad. París, capital del Estado Francés, toma el relevo de Roma y se convierte en el modelo a seguir por todas las naciones. Una nueva época comienza, pero esto es otra historia...

* Este artículo ha sido publicado en la revista Laberintos nº 16  , del IES Élaios de Zaragoza

El agua y el desarrollo sostenible

Categoría: Recursos el día 2010-05-15 00:16:37

El documental "El sueño del agua", muestra a jóvenes de distintos puntos del planeta contando sus problemas más graves en relación con los recursos hídricos. Realizado por el Programa Mundial de Evaluación de los Recursos Hídricos de las Naciones Unidas (WWAP) y Expo Zaragoza 2008, realiza un recorrido por distintos lugares del Planeta (Desierto de Atacama, Holanda, Bombay,Jerusalen, Benin) y describe la situación del agua en el contexto de diversas culturas. Es un documental muy valioso y de fácil utilización escolar ya que esta formado por cinco piezas de alrededor de 10 minutos de duración. ¡Es una de las buenas cosas que dejó la Expo 2008!

El sueño del agua. Julio
El problema de la escasez de agua en el desierto de Atacama visto a través de los ojos de Julio, un niño de la localidad de Chañaral. 9:57 min.



El sueño del agua. Muriel
El problema de la utilización del agua en la localidad de Petten (Holanda) visto a través de los ojos de una niña. Expozaragoza 2008 9:59 min.



El sueño del agua. Nandini
Visión de la importancia del agua en Bombay (India) a través de los ojos de una niña. Expozaragoza 2008 8:45 min.




El sueño del agua. Anat e Isam
El problema del agua en la ciudad de Jerusalen, visto a través de los ojos de dos niños de la ciudad santa. Expozaragoza 2008 9:13 min




El sueño del agua. Crepin
El problema del agua contaminada en Benín, visto a través de los ojos de Crepin, un niño de 10 años. Expozaragoza 2008 10:00



Durante el curso 2004-2005, el Departamento de Geopgrafía e Historia del IES Élaios de Zaragoza, anticipándose a la Expo 2008, realizó un proyecto de innovación sobre "Zaragoza y el agua" que puedes consultar en la página web de dicho Departamento.

TIC y aprendizaje colaborativo: Blogs en los que participan alumnos

Categoría: Recursos el día 2010-05-14 10:16:00

• http://socialesbrocense.blogspot.com/

En este blog extremeño de José Antonio Palomose se exiben los trabajos,    fundamentalmente presentaciones, que realizan los alumnos como trabajos de clase. El     formato de las presentaciones es bastante convencional. También se usa como medio     de información para los alumnos (qué tareas tienen que hacer, qué libros tienen que leer,     etc.)

• http://pepeolivercabrera.blogspot.com/search/label/Programaci%C3%B3n%20de%20alumnos%20Historia

Este blog sobre todo me interesa porque además de dar recursos, aporta un esquema     híbrido entre el tradicional (temas del programa) y otro más abierto, con variedad de     recursos y con fórmulas variadas para la evaluación (exámenes variados, trabajos     variados, etc.)

• http://historiaenclase.wikispaces.com/Historia+Oral+4%C2%BA+ESO

 Este blog del IES Vicente Aleixandre de Pinto trabaja con Historia Oral con los alumnos     de 4º de ESO (Guerra Civil, Franquismo y Transición) cuyos trabajos se cuelgan en el     Blog

• http://www.isftic.mepsyd.es/w3/eos/MaterialesEducativos/secundaria/sociales/pobreza/indice.htm.

 Años de pobreza contados por nuestros abuelos del IES Giner de los Ríos de     Alcobendas. Otro blog sobre historia oral realizada por alumnos mediante entrevistas

• http://seminario20.wikispaces.com/Blogs

  Cómo usar los blogs, de Tiempos Modernos.

• http://www.educared.net/aprende/anavegar5/Podium/images/C/1608/index.htm

La “ruta del acueducto” es una página web realizada por alumnos de diversificación de 3º de ESO de Segovia tomando como centro de interés la parte alta del acueducto. En élla se tratan tanto asuntos relacionados con lo histórico, artístico, como con lo ecológico (cañadas reales, ecosistemas, etc.). Es una “Investigación guiada” con un tema de una salida virtual.
   

Google, una herramienta básica para la Geografía

Categoría: Recursos el día 2010-05-14 00:33:52

 

Desde que en 1996 dos estudiantes de la Universidad de Standford, Sergey Brin y Larry Page, concibiesen Google (la empresa se creó en 1998) el mundo de los buscadores, y no es exagerado decir que Internet, no es el mismo.

Sólo con su extraordinaria rapidez y eficacia, unidas a la sencillez de uso, Google ha conseguido sin ningún esfuerzo publicitario convertirse no sólo en el buscador preferido por la comunidad internauta, sino también en una de las marcas más conocidas en todo el mundo. Actualmente, es responsable de alrededor del 75% del tráfico generado por los buscadores.

Eroski Consumer dedica un monográfico al "rey de los buscadores" y a sus múltiples aplicaciones.
También Eroski Consumer dedica en su sección de tecnología unos comentarios interesantes sobre el Google Street View: mapas en 3D

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